在学习和实践中丰富钢琴二重奏的表现力
时间:2018年05月31日

     钢琴二重奏是一种特殊的演奏形式,相对钢琴独奏来说它更具有挑战性,更能考验演奏者的演奏能力与合作能力。由于两个演奏者在合作时会很轻易地察觉到对方的反应,从而使表演者更容易集中注意力、保持情绪的积极,这一特点会使钢琴二重奏的练习和表演相比钢琴独奏更有趣味,也更具感染力。在多年以来的钢琴表演学习中,我曾多次观摩和参与钢琴二重奏的演奏。从学习中我体会到钢琴二重奏不仅能提高听辨技能、演奏技巧、节奏控制和读谱能力,还能帮助演奏者建立团队合作意识、培养领导能力。

如上所讲,钢琴二重奏的演奏是两个人合作的结晶,作品的表现力如何,主要在于两个人演奏前功课做得怎么样。

一、了解钢琴二重奏的起源和发展

钢琴二重奏的历史记载开始于十八世纪中后期,由三手联弹发展而来的它有双钢琴和四手联弹两种形式。四手联弹是两位演奏者在同一台钢琴上演奏,钢琴二重奏是两个演奏者各使用一台钢琴同时进行演奏。钢琴二重奏属于室内乐范畴,通常音响不大,内容细腻,结构严谨,意义深刻。直到1765年莫扎特和他的姐姐在英国公开演出钢琴二重奏这一刻,这种演奏形式才开始面向公众。实际上钢琴二重奏早就用于宗教仪式或作为家庭娱乐的一部分,但从面向公众的那一刻起,钢琴二重奏开始走进更多人的视野、走上舞台,历经辉煌拥有了等同独奏表演的舞台地位,直到今天逐渐发展成为一个独立的学科。

二、熟悉作曲家的生平和创作背景

作曲家的生平、社会背景、音乐流派、创作风格、创作意图都是我们了解作曲家和其作品的重要学习方向,通过学习我们可以充分地理解和表现出作品深层次的、丰富多彩的精神内涵。

很多著名的作曲家都有钢琴重奏的作品,比如贝多芬,他的许多作品就与他的生平、情感和创作背景有着紧密的联系。而应用于当代教学比较多的莫扎特的钢琴重奏作品Symphony No.40 in g minor K.550就非常有名。这首曲子创作于1788年。1781年他辞职后成为欧洲历史上第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家,这之后他开始在维也纳谋生。虽然他名义上是一位自由的作曲家,实际上仍然无力抗争封建社会对他的压迫。这首曲子创作于他创作中最重要的十年,是莫扎特的代表作,经常被用于儿童重奏教学。如上所讲,只有理解好作品,才能生动地演绎好作品。

三、分析作品的体裁和创作风格

乐谱作为音乐思想的载体,是音乐表现得以实现的最初物质基础,演奏者首先要做到尊重原谱,在此基础上加入演奏者对不同历史时期音乐作品风格以及作曲家创作意图的理解。也就是说,每一个作品,不仅要准确地弹奏出音符,还要演绎出它的灵魂,这才能体现钢琴艺术的魅力。所以在演奏钢琴二重奏时,两个人一定要细致研究体会音乐内容和创作背景,以及每一个乐段所要表达的含义,只有充分理解了作品的思想内涵,才能运用所学的技能和对音乐的感知演奏好作品。

分析钢琴重奏乐谱时最重要的是分清主次,也就是要分清楚旋律在钢琴Ⅰ和Ⅱ中谁更重要。通常来讲,第一钢琴演奏者的右手部分相当于钢琴独奏中的高音旋律声部,第二钢琴演奏者的左手部分相当于钢琴独奏中的低音伴奏部分,而第一钢琴演奏者的左手和第二钢琴演奏者的右手部分则是曲子的中间声部;有些作品中,主旋律在钢琴Ⅰ和钢琴Ⅱ之间来回转换;有的乐段或乐句只有一只手是主要声部,另外三只手都是伴奏部分。也就是说,我们要在练习的过程中仔细分析曲子的各个部分,安排好四只手不同的强弱,突出旋律声部,让伴奏声部更弱一些。在理论层面上,要对作品的主题、调式、和声、曲式等进行分析,做到两个人对音乐的理解协调统一,有了这个基础,才能进行合奏。

四、研究作品的演奏技巧

在演奏技巧上,首先两个人要有一致的呼吸节奏,始终保持节奏的统一和准确。其次两人要在练习中互相听,互相照顾,特别是每段开头和结尾的动作要配合好:如两个人需要同时演奏,那么开始时要由主奏者给另一个人提示(例如通过一次呼吸或手臂手腕的动作)后两个人一起触键;如果曲子的开头只有一方先开始弹奏,那么另一方一定要跟住主奏者的节奏,抓住音乐感觉,注意主奏者给出的提示,准确地进入合奏。在曲子的结尾部分两个人要注意踏板的使用,是否有延长记号等,二钢琴要及时抬手避免余音影响演奏的完整性。另外由谁来翻谱要预先安排好。一般来说,谁的音符少,谁的声音比较次要,或者是谁在页尾有休止符号,就可以由谁来翻谱。为使演奏不出现失误,可将翻谱的标记标注在谱面上来提醒演奏者。

速度的控制也非常重要。在独奏时我们都知道拿到谱子要先慢练,重奏更要这样做。一般来讲乐谱开头会标记速度,刚开始练习时我们可以按照原速放慢一倍甚至两倍的速度进行练习,熟练后逐渐加快,直到用原速弹奏。谱面上渐快和渐慢的地方要特殊注意,多次练习协调思维和动作之后两个人的速度就可以融合到一起,从而使思维、感觉、肢体行为都进入成熟的演奏状态。

演奏过程中还要注意踏板的使用。在这里需要注意,在合奏初期最好不要使用踏板,尤其是当两个人第一次合作时。两个演奏者应先单独练习自己的部分,并让对方听一下加深印象,互相清楚对方的旋律安排和乐谱结构之后再开始合奏,当两个人配合久了产生默契时再加入踏板,这样可以使练习更有效率、表演更加流畅。

个别地方的指法可根据演奏者而定,从而保证演奏的精准度和完整度。

两个人应该认识到仅仅把曲子按部就班地弹奏出来是不够的,必须从曲子的内容上着手,两个演奏者要互相听,这一点区别于钢琴独奏,四只手要像一个交响乐队有众多声部一样,在细节的处理上相互协调统一,在音响上达到平衡完美。

五、在演奏表现力上形成独特风格

每个表演者在独奏时都会慢慢形成自己的风格和特点,而当两个人经过长期、多次的合作之后也会产生一种特有的化学反应,形成一种不同于他人的合作模式和表现力。

两位表演者要在互相磨合中求得以下几个方面的强化:一是旋律的分担、四个声部的平衡,做到细致分析、运用,使音乐具有张力。二是对节奏有正确的感觉和控制力,进而体现乐曲丰富的情感内涵。三是通过音符强弱、速度、音色,以及踏板的使用来增强音乐的感染力。

表演者无论在独奏还是合奏的时候都应该具有独立判断的能力,对于有分歧的部分两个人要多次沟通,结合演奏者自身的文化素质、审美情趣、创造潜质等,在音乐视野、鉴赏和艺术审美等方面认真探讨最终达成共识,只有这样才能使音乐更具表现力和美感,形成两个人独特的演奏风格。

正如约瑟夫·霍夫曼在《论钢琴演奏》一书中所说:“钢琴演奏中更难以捉摸的部分,实际上是依靠想象力、精致的感觉、心灵的洞察力,以及致力于把作者在乐谱行间自觉或不自觉地隐藏着的东西传递给听众。这些在钢琴演奏中纯属心理方面的东西是不便用文字形式来表达的…”音乐里有语言、有画面、有场景、有故事、有色彩、有意境、有幻想、有意志、有力量、有情绪、有思想、有哲理……我们需要通过多次的练习、表演,深入理解不同作品的音乐逻辑,不断推敲、细心感受,才能领悟作曲家的匠心,把音乐内容传递给听众,使听众产生共鸣。表演者不仅要了解钢琴表演与其它音乐学科之间的联系,更要在生活中善于发现与感悟,即使是十分微小的事物。对于文学、历史、哲学、美术、戏剧、电影等其它领域也应有所涉足,因为若想演奏出有生命力、感染力、有说服力的音乐,钢琴演奏者需要对人类文化艺术成果有一定的认知,这些艺术成果也会对我们理解音乐起到很大的帮助。只有拥有丰富的内心世界,才有可能给听众展现出一个多彩的,独特的音乐世界。

 

(作者:英国利物浦大学音乐学院在读硕士研究生 高天蔚)